Искусство музыкальных звуков способных отражать прошлое и настоящие жизни человекаФрагмент текстаРассмотрим другой пример. Русская народная песня «Валенки» передает слушателям реалии русской деревни времен царской России. В песне говорится о том, как девушка намекает любимому, что знает о его сложном финансовом положении, однако впоследствии выясняется, что в ее семье тоже не все гладко и валенок у нее нет вообще. Песня рассказывает нам о том, что, так как большинство крестьян жило небогато, далеко не все могли позволить себе дорогие черные чесанки. Вот и носили твердые серые валенки, которые из-за нехватки денег, опять-таки, могли купить не все люди. Песня «Вставай, страна огромная» относит нас в далекие годы Великой Отечественной войны. Даже если слушать только музыку этой песни, невозможно не заметить ее призыв и тот непередаваемый героизм, с которым наши воины сражались против захватчиков. Что же касается передачи музыкой настоящей жизни человека, я считаю, нужно озвучить несколько моментов. Во-первых, классическая музыка, в основном, перестала цениться молодым поколением. Это не может не огорчать, так как, на мой взгляд, именно она вызывает наиболее яркие эмоции и переживания у слушателей. Во-вторых, эфиры радиостанций заполонили попсовые песни с примитивным смыслом или без смысла вообще. Фактически, такая музыка не несет какой-либо информации и попросту бесполезна. Однако в то же время она отражает проблемы, существующие в культуре современного русского языка, такие как оскудение речи, попытки прикрыть «престижными» словами банальность речи, речевая неряшливость и т. п. И в-третьих, современная музыка показывает, насколько прочно в настоящую жизнь людей вошла техника. Так, стиль дабстеп сложно спутать с каким-либо другим, так как набор электронных звуков легко узнаваем в различных мелодиях. Музыка этого направления как бы говорит, что техника – это основа нашей жизни. Таким образом, музыка не только способна передать настроение, чувства и эмоции, но и различные события человеческой жизни независимо от страны и эпохи. И я считаю, что лучше всего это удается классической и народной музыке, а современная, в большинстве, своем стоит на ступеньку ниже.
Иоганн Себастьян Бах родился в 1685 году в городе Эйзенах. Будучи ребенком, потерял обоих родителей, после чего его под опеку берет его брат, работавший органистом и обучавший маленького Иоганна игре на клавире и органе. У композитора не было учителей для серьезных занятий музыкой, поэтому все, чего он достиг, он добился своим трудом и целеустремленностью.
В 1700-х гг Бах становится органистом в Арнштадтской церкви, где, благодаря большому количеству свободного времени, у него появилось время для музицирования, из-за чего талант композитора стал раскрываться в полной мере. В этот период Бахом было создано много произведений для органа. Позже он занял ту же должность церковного музыканта в городе Мюльхаузен. За время работы в Мюльхаузене была исполнена его кантата '<span>Gott ist mein Konig', ставшая единственной кантатой, которая была издана при жизни композитора. Через некоторое время Бах вновь решает поменять место работы и становится придворным органистом в городе Веймар, где он, изучив работы множества композиторов, а также устройство органа, поднял свою органную музыку на новый уровень. В "веймарский" период начинается его работа над "Органной книжечкой". Бах находился в Веймаре довольно долгое время, и к концу его службы он становится довольно известным органистом.
Позже, в Кётене, где Бах стал руководителем капеллы, он все свободное время посвящает сочинению музыки: появляются такие его творения, как знаменитые "Браденбургские концерты" и "Хорошо темперированный клавир" (или сокращенно ХТК).
Следующий город, в который отправляется Бах - Лейпциг. Его новая должность учителя в церковной школе обязала его сочинять церковную музыку в разных духовных жанрах. Появляются такие произведения, как "Страсти по Иоанну", "Страсти по Матфею" и "Высокая месса". Лейпциг стал последним городом на жизненном пути Иоганна Себастьяна Баха. Он умер в 1750 году и был захоронен рядом с церковью, в которой он долгое время служил.</span>
«Метель» — сюита композитора Георгия Свиридова, созданная в 1973 году на основе его же музыки к фильму по повести А. С. Пушкина «Метель» 1964 года[1].
Содержание [убрать]
1 История создания
1.1 Фильм «Метель»
1.2 Переработка для сюиты
2 Состав оркестра
3 Музыкальные части
4 Фрагменты
5 Источники
[править]История создания
[править]Фильм «Метель»
Кинорежиссер Владимир Павлович Басов, приступая к экранизации пушкинской повести «Метель», обратился к композитору Г. Свиридову с просьбой о сочинении музыки к будущему фильму[1].
Пушкинская повесть «Метель» из цикла «повестей Белкина» была написана в 1830 и издана в 1831 году[2]. И вот через сто тридцать с лишним лет появлялась ее экранизация. Повесть чуточку иронична и лукава. Это литературное произведение давно вошло в классику русской литературы и хорошо известно. Пушкин рассказал полуанекдотическую историю про провинциальную барышню, которая случайно вышла замуж не за того, поскольку ее жених заплутал в метель; тем не менее история счастливо заканчивается новой любовью.
Композитор взялся за эту работу.
Однако он ушел от пушкинского сюжета напрочь, его музыка словно бы и не связана с литературной канвой, она стала самостоятельным действующим лицом фильма, лишь вплетаясь в какие-то фрагменты. Она оказалась лишена того оттенка иронии, который явно ощущается в повести[1]. Зато в ней проявилось совсем другое — настроение, душевность[3], поэтичность[4]. А еще она стала — шедевром.
Фильм «Метель» вышел в 1964 году[5][6].
Музыка из него сразу же зажила своей жизнью. Она оказалась настолько осязаема, что, кажется, будто не только слышишь ее, но и видишь воочию — и картины природы, и жанровые сцены, и бал, который весь разворачивается на фоне вальса[4].
[править]Переработка для сюиты
Прошло еще много лет, а именно — девять, и в 1973 году композитор Г. Свиридов вернулся к этой музыке, решив переделать разбросанные по фильму музыкальные фрагменты в одно целое[1]. Что и было им сделано.
Новое музыкальное произведение было окончено в 1974 году.
[править]Состав оркестра
Состав оркестра: 2 флейты, флейта-пикколо, 2 гобоя, английский рожок, 2 кларнета, малый кларнет, 2 фагота, контрафагот, 4 валторны, 3 трубы, 3 тромбона, туба, литавры, бубен, малый барабан, тарелки, большой барабан, колокола, колокольчики, челеста, 2 арфы, фортепиано, струнные[1].
[править]Музыкальные части
Музыка в сюите разделяется на несколько частей; однако тут у музыковедов ведутся большие споры[7]; кто-то отчетливо видит 7 частей, а кто-то, столь же отчетливо, — 9 частей, причем определяя их по-разному[1][3]. Мнения варьируются, и рассматривать их все не представляется даже нужным.
Музыковед Л. Михеева определяет так:
№ 1, «Тройка» — эта мелодия явно перекликается с ямщицкими песнями, настолько угадывается в ней бег саней, скользящих по снегу русской зимы за лихой тройкой лошадей.
№ 2, «Вальс» — открывается призывными фанфарами, после которых вступает непритязательная мелодия с характерным для вальса аккомпанементом (бас на первой доле и аккорды на второй и третьей), но при этом без пышности и великолепия бального танца.
№ 3, «Весна и осень» — две крошечные миниатюры.
№ 4, «Романс»
№ 5, «Пастораль»
№ 6, «Военный марш»
№ 7, «Венчание».
№ 8, «Отзвуки вальса» — со знакомой по второму номеру мелодией, но более приглушенно, как воспоминание.
№ 9, «Зимняя дорога» — опять образ тройки, бегущей по снегу и тянущей сани
Другую разработку предложили музыкальные педагоги Дубова Елена Николаевна и Олексенко Татьяна Николаевна. Они, взяв за основу исполнение Большого симфонического оркестра под управлением В. Федосеева в концертном зале имени П. И. Чайковского (запись 2005 года), выделили тоже 9 частей, но несколько по-своему[3] (желающие могут более подробно ознакомиться с этой работой здесь):
Тройка
Пастораль
Вальс
Венчание
Марш
Весна и осень
Романс
Отзвуки вальса
Зимняя дорога
Есть и другие музыковедческие разработки, приводить которые мы не считаем целесообразным, не потому что они нам чем-то не нравятся, а просто потому, что желающие могут ознакомиться с подробностями сами, а нам надо лишь сказать об их существовании, а не приводить все. Великолепная музыка Георгия Свиридова будет обсуждаться еще не одним поколением музыковедов и интерпретироваться разными музыкантами-исполнителями, поскольку она обладает поистине величайшим качеством: она видна, она произрастает из картин прошлого на уровне генетической памяти, ее ощущаешь и видишь нарисованные ее изображения[4].